La ingeniería en sonido en el teatro: Estrategias para elevar la experiencia escénica - Por Joaquín Alvear

"No existe una pauta totalmente fija porque cada función es distinta, a diferencia de un show musical, en este contexto la música son los mismos actores y actrices."

(Obra “Memoria” de la compañía Teatro Anónimo, dirigida por la directora y actriz Trinidad González - Teatro Nacional Chileno, agosto 2024)

Dentro del mundo del espectáculo, siempre he considerado que el teatro se destaca por su desplante sin barreras a la hora de tratarse de formatos y contenidos, una versatilidad que puede llevar a construir obras de teatro con poco, o con mucho; desde un monólogo en una simple silla que pone a prueba al dramaturgo y al actor, hasta un elenco completo con la escenografía más impresionante que verás en tu vida.

La mayor parte del tiempo, cuando vamos a ver obras de teatro buscamos conectar, sentirnos identificados, ya sea con los conflictos que lucha quién vemos en escena, o conmovernos con las emociones por las que cruza el o la protagonista. Siempre hay una fibra sensible que es universal en todos los seres humanos, la cual es capaz de empatizar y activarse al conocer el contexto detrás de cualquier realidad. Esta fórmula construye la escalera de eventos que pavimentan el camino para lograr la tan anhelada catarsis. 

(Obra “Edipo Stand Up Tragedy” de la compañía Teatro La Provincia, dirigida por el director Ródrigo Pérez - Teatro Principal Matucana 100, julio 2024)

Con todos estos elementos presentes, no podemos trabajar el audio de una obra de teatro sin considerar todo lo mencionado anteriormente, los cuales, en conjunto con el trabajo del equipo técnico y el elenco, forman una experiencia teatral completa e inmersiva. 

Para mi, las palabras claves siempre serán interdisciplina, flexibilidad, propuesta, y sobre todo, respeto a la obra y su mensaje esencial. El audio de una obra emerge con el texto, con el ritmo de los actores y actrices, con la emoción de cada escena y con la energía de cada diálogo. No existe una pauta totalmente fija porque cada función es distinta, a diferencia de un show musical, en este contexto la música son los mismos actores y actrices. 

Dicho esto, las decisiones técnicas que tomamos siendo el ingeniero o ingeniera en sonido en una obra de teatro son tomadas con un criterio distinto a las de un show musical en vivo. 

A continuación nombraré lo más importante a considerar a la hora de trabajar en una obra de teatro:

01 - Lo sonoro y lo visual son uno solo: 

En el teatro, la estética es muy importante para mantener la armonía de la puesta en escena, algo que nosotros los sonidistas desde el trabajo técnico a veces pasamos por alto mientras el audio sea funcional. 

No dejes cables esparcidos por el escenario ni uses micrófonos que le tapen la cara al actor o a la actriz, a menos que sea indicación del director o directora. Para este trabajo, los micrófonos de cintillo Sennheiser modelo XSW2-ME3B o modelo SL HEADMIC 1B para algo más discreto, ambos me han funcionado de maravilla. 

02 - Es muy importante que estés en los ensayos y pasadas de la compañía: 

Conocer las dinámicas de la obra es crucial para hacer sonido en una obra de teatro ya que cada escena tiene su propio ritmo y volumen, y queremos generar una cohesión entre ellas. Si en cierto momento un actor habla más despacio que otro, sabremos cuándo y cuánto subirle. Si hay un grito que aparece de repente, sabremos cómo tratarlo. Si hay música que se relaciona con texto hablado en distintos volúmenes, o partes que salen menos fluidas que otras, sabremos cómo anticiparnos desde la consola.

03 - Debes tener tu propio guión y conocer muy bien los piés de texto para encender y apagar micrófonos y efectos:

En escena, el audio es un actor más, por lo que debes estar en sintonía con el guión para conocer todos los piés de texto e indicaciones de entrada y salida. Por ejemplo, la actriz principal entra en un estado de sueño y nosotros debemos prender un reverb para dar a entender al público que entró en este estado pero también es importante saber cuando apagarlo para dar entender que ya despertó. Otro ejemplo sería que el actor cambia de escena a una sala distinta (o detrás de la escenografía) donde debes prender un micrófono que no es parte de la escena anterior y saber cuando apagarlo apenas vuelva al escenario principal.

04 - Asegúrate de tener una buena comunicación con el/la director/directora, y los actores y actrices: 

Es importante que sepamos las intenciones de todo lo que sucede en la obra con el fin de estar en la misma sintonía que el elenco, y que ellos sean capaces de pedirte o proponerte cosas para su comodidad, y viceversa. Permite que el director o directora te dirija a ti desde la consola, y no dudes en preguntarle o proponerle cada cosa que necesites para que el audio funcione de la mejor manera posible en función de la obra.

(Obra “Fragmentos” de Lars Norén, dirigida por el director Marcos Guzmán - Teatro Principal Matucana 100, abril 2024)

05 - El teatro es orgánico y muchas cosas se solucionan en el escenario antes que en la consola:

En muchas obras las voces no se trabajan con micrófonos, pero la obra sí cuenta con música en vivo o música envasada que se relaciona con los textos. Sea este el caso, debemos involucrarnos en el escenario para nivelar y balancear de mejor manera posible estas variantes. Por ejemplo, si lo estimas pertinente, no tengas miedo en pedirle al director o directora que le pida a sus actores un poco más de proyección vocal en cierta escena donde hay música sonando o de bajarle el volumen y ecualizar un amplificador de guitarra que se encuentra en escenario. Si a esto sumamos aplicarle a la fuente sonora un pequeño corte de -3 a -5 dB en frecuencias alrededor de los 2.500 Hz (área de la inteligibilidad de la voz) para darle ese espacio a la voz del actor o actriz, podemos lograr el equilibrio que estamos buscando sin romper la armonía de la escena.

06 - Ten Paciencia con el montaje y programación de luces:

En el mundo del teatro, la iluminación es igual o hasta más importante que el audio, debes saber esto para evitar frustraciones a la hora del montaje, ya que montar y programar luces requiere mucho tiempo y comunicación entre escenario y cabina. En mi experiencia, no intentes probar sonido mientras se prueban las luces para evitar choques con el equipo de trabajo, por lo que es importante contemplar tiempo para montaje de luces y audio por separado, y no al mismo tiempo. Dales el tiempo que necesiten y cuando terminen ellos te darán el tiempo que necesitas tú.

07 - Has match con el iluminador o iluminadora para coordinarse e inventar cosas nuevas: 

Si entendemos los movimientos de luces de las escenas y trabajamos el audio en conjunto a ellas, podemos generar un universo inmersivo y una experiencia sensorial superior. Es sabido que audio e iluminación en cualquier show llevan la puesta en escena al siguiente nivel y esta no es la excepción! Así que invita a un café a tu iluminador e intenta conversar acerca de ideas creativas mientras los actores calientan y hacen sus extraños ejercicios de vocalización.

08 - Usa tus herramientas de sonidista para potenciar la emocionalidad de cada escena, siempre con respeto:

No tengas miedo de proponer efectos, paneos, cosas locas y entretenidas o oscuras y tristes. El audio es un universo en sí mismo y tu tienes la ventaja de saber las infinitas posibilidades de sus matices. Este es el último punto porque para llegar a esto debemos tener en consideración todo lo anterior, así cada propuesta que hagas será valorada por el director o directora y aunque sea aplicada o no, llevará la propuesta sonora de la obra a un siguiente nivel.

(Obra “Ternura” del director y actor Lucas Sáez - Teatro San Ginés, enero 2025)

Trabajar en teatro es una gran experiencia que puede llevarnos a conocer el mundo del espectáculo desde otro enfoque y reconfigurar el rol del ingeniero en sonido. Tener en consideración estos puntos puede servirte como una brújula para adentrarte en este universo lleno de emociones, mantén tu norte fijo y eleva el resultado de un trabajo integral con todo el equipo involucrado.

Reseña de Autor:

Joaquín Alvear Serrano es sonidista, productor musical, músico instrumentista y profesor de producción que trabaja en el rubro desde el 2016, año que entró a estudiar Ingeniería en Sonido en la Universidad de Chile. Actualmente trabaja como sonidista de sala (FOH) sonidista de monitores, stage manager y roadie de múltiples bandas y compañías de teatro nacionales. Ha trabajado como técnico y como músico en múltiples festivales de música y teatro a lo largo de Chile y Europa y actualmente lidera su propio estudio de grabación en Santiago de Chile llamado Estudio Vivario.